CorelDRAW X5

CorelDRAW Graphics Suite X5

Pon tus ideas en práctica con CorelDRAW® Graphics Suite X5 y obtén resultados de máximo impacto en cualquier medio. Este versátil software de diseño gráfico contiene todo lo que necesitas para optimizar tu comunicación visual en una solución perfectamente integrada con herramientas de ilustración vectorial, diseño de páginas, edición de fotos, vectorización, animación y gráficos para Web. Desde animaciones Flash y gráficos para Web hasta logotipos, rotulación integral de vehículos y herramientas de ventas, si puedes imaginarlo, ¡podrás diseñarlo con CorelDRAW Graphics Suite X5! Además, se incluyen numerosos recursos de aprendizaje y contenido listo para usar para que puedas empezar a trabajar de inmediato. ¡Haz mucho más de lo que nunca imaginaste!


Aquí les dejo el link de descarga de : CorelDRAW X5 - Crack - Tutorial espero que lo disfruten!!! Gracias a todos. 

http://blog.kokydm.com/coreldraw-x5-espanol-medicina-tutorial/

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Arts & Craft

Arts & Crafts

El movimiento Arts and Crafts fue una escuela artística que surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX y se desarrolló en el Reino Unido y en los Estados Unidos durante los últimos años del siglo XIX y en los comienzos del siglo XX . Inspirado por la obra de John Ruskin , tuvo una segunda generación alrededor de 1880 y 1900. 


 El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris , artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee , T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh , Christopher Dresser , Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley y los artistas del movimiento prerrafaelita . El movimiento revaloró, en plena época victoriana , los oficios medievales, con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo. Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre la arquitectura , las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.


En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo ) y el art decó , es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido elegante.

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Día del Diseñador 2012

Día mundial del Diseño Gráfico 27/04/2012

Ayer fue el día mundial del diseño gráfico , todos los años se celebra en la fecha de ayer tan especial para aquellas personas que se dedican día a día a plasmar ideas logrando así un gran resultado el cual impacta a las demás personas.
Felicidades a todos .
Si queréis compartir vuestros trabajos contactar conmigo , el próximo post colgare uno de mis trabajos. 
Gracias a todos. 

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Spectacular Coca-Cola 3D 125th Anniversary

Coca-Cola celebra su 125 aniversario siendo la mayor compañía de bebidas del mundo

El próximo 8 de mayo, Coca-Cola celebra el 125 aniversario de la venta por primera vez, en una farmacia de Atlanta, de un jarabe para hacer sentir bien a la gente, y que años más tarde se convertiría en la marca más valiosa del mundo según Interbrand y la palabra más pronunciada después de la expresión OK.


Fue en 1886, cuando el farmacéutico llamado John S. Pemberton desarrolló en Atlanta (Georgia) la fórmula de un nuevo jarabe que poco después se comercializaría en fuentes de soda. Su contable, Frank Robinson, fue el responsable y artífice del nombre, quien pensó que dos letras “C” se verían bien en publicidad y sugirió el nombre de “Coca-Cola”. Las primeras ventas de Coca-Cola eran de 9 unidades diarias. Desde entonces, The Coca-Cola Company se ha convertido en la mayor compañía de bebidas del mundo, ofreciendo a los consumidores más de 500 marcas y 3.000 productos. Presente en 206 países, diariamente se consumen en el mundo 1.700 millones de bebidas de las diferentes marcas propiedad de la Compañía.


La botella contour no sólo es un envase de los productos de Coca-Cola sino que su imagen es un icono universal. Fue en 1915, cuando la Compañía, con el objetivo de unificar el envase de la marca, convocó un concurso dentro del sistema de embotelladores para crear una botella que diferenciase el producto de sus competidores incluso en la oscuridad o estando el envase roto. El ganador fue Alexander Samuelson de la Root Glass Company, quien inspirado en la fotografía de una baya de la nuez de cola (similar a la vaina de cacao), creó la botella contorneada.


Que os parece el anuncio lectores ¿? Gracias

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Museo de Arte Moderno de Nueva York

MoMA

El Museo de Arte Moderno de Nueva York abrió sus puertas al público el 7 de noviembre de 1929, y fue fundado por los filántropos estadounidenses Lillie P. Bliss, Mary Quinn Sullivan y Abby Aldrich Rockefeller para "ayudar a la gente a entender, utilizar y disfrutar de las artes visuales de nuestro tiempo". Es uno de los mejores museos de arte moderno del mundo.


Es considerado uno de los santuarios del arte moderno y contemporáneo del mundo, constituyendo (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras. Alberga piezas tales como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon  (1906) de Pablo Picasso , La persistencia de la memoria de Salvador Dalí  y obras de artistas norteamericanos de primera fila como Jackson Pollock , Andy Warhol y Edward Hopper. El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico , diseño industrial , fotografía , arquitectura , cine e impresos.


Aquí les dejo el link de la página oficial del MoMA , quien sabe a lo mejor os pensáis en hacer un viaje a NY City  


Gracias a todos .  

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Malos Diseños Web

Los malos diseños ACABAN CON LA PILA DE LOS MÓVILES
Uno de los elementos que un usuario siempre evalúa de su teléfono celular inteligente es la duración de la batería, pero muchas de las variables pueden estar más allá del propio smartphone. Un informe de la Universidad de Stanford descubrió que los sitios web que no están bien diseñados o que no tienen versión móvil pueden ser los causantes de que esta dure poco.


El equipo de investigadores hizo diferentes pruebas con un equipo con sistema operativo Android. Se analizó el comportamiento de diferentes sitios web, entre ellos algunos muy populares como Wikipedia e Internet Movie Database.


El consumo disminuyó cuando el equipo analizó y ajustó el sitio web de Wikipedia, sin afectar la experiencia del usuario, y encontró que el ahorro fue de un 30%. “Nuestros resultados muestran que para los sitios web de interés, descargar y analizar las hojas de estilo en cascada y Javascript consume una gran parte de la energía total necesaria para presentar la página”.


La investigación se dio a conocer en el marco de la conferencia de World Wide Web de este año, que se llevó a cabo en Lyon, Francia

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Adobe CS6

ADOBE CS6 OFRECE IMPORTANTES INNOVACIONES PARA PROFESIONALES DE DISEÑO, WEB Y VIDEO


Systems Incorporated (Nasdaq:ADBE) anunció el más avanzado conjunto de herramientas para profesionales de diseño, Web y video con el lanzamiento de la línea de productos Adobe® Creative Suite® 6. Las poderosas nuevas versiones de 14 aplicaciones CS6 y cuatro Suites (Adobe Creative Suite 6 Design y Web Premium, Adobe Creative Suite 6 Design Standard, Adobe Creative Suite 6 Production Premium y Adobe Creative Suite 6 Master Collection) presentan la continua innovación de Adobe para todos los mercados creativos.
Los productos Adobe Creative Suite 6 estarán disponibles en 30 días y pueden reservarse a partir de hoy.

Aqui les dejo el link para descargar la versión beta de adobe photoshop CS6 :

http://adobe.ly/GECkqW

Si quieren el pack de adobe CS5 (photoshop , dreamweaver , illustrator , inDesign , Audition) , contactar con nosotros . 

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Karol Bak





Karol Bak – La Glorificación Femenina


Karol Bak (kolo,Polonia,1961)trabaja como pintor , ilustrador y diseñador gráfico.De 1984 a 1989 estudió en la Academia Estatal de Bellas Artes (ASP) en Poznan , en el departamento gráfico . Termina sus estudios con dos valiosos diplomas con el profesor Tadeusz Jackowski's en estudio gráfico y con el profesor Jaroslaw Kozlowski's en el estudio de dibujo. Tras sus inicios con grabados , gráficos y dibujo , a mediados de los 90 comienza a pintar con óleo sobre lienzo . 


Karol Bak es un admirador de la mujer. Es un glorificador de la feminidad. Sus pinturas captan de una forma fenomenal y cautivadora de la belleza . Parece que su deseo sea revelar sus almas , y así , de diferentes métodos , examina las partes más profundas de su naturaleza. Sus heroínas fluyen en los sueños , aparecen en el inmenso espacio; ellas son ángeles , perlas divinas , la personificación de los elementos; asesinadas reencarnadas (Judyta , Salome ) e incluso la muerte. (Thanatos)


Pero en Karol Bak la idea no era solo mostrar el lado físico , sino también su forma espiritual , el carácter sensible , amoroso , tierno de corazón y muy emotivo. En otras palabras , la mujer es variable y casi imperceptible . Por otra parte el artista a su manera , se aprovecha de la tradición para sus oportunidades . En la mayoría de sus obras muestra una elegante persona que se caracteriza por sus ropas y , últimamente por la ampliación de la cabeza al conceder a sus pinturas una aureola que las hace más místicas y misteriosas . Hay una belleza innegable es sus pinturas que es resaltada con esa faceta mística que rodea la figura femenina , así todo el conjunto queda envuelto en un halo fantástico que explota en la visión del espectador. 

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John Maeda

John Maeda




Durante las últimas dos décadas, el artista, diseñador y educador nipón-estadounidense John Maeda ha sido una de las personalidades más importantes en explorar el potencial artístico y visual del ordenador como herramienta, y del código informático como materia de trabajo. Desde su posición como fundador del fundamental Grupo de Computación y Estética del Medialab del MIT (1996-2003) Maeda ha promovido un acercamiento humanista a la tecnología que replantee nues-tra relación con el medio digital, que se aleje de la intimidadora complejidad del "software" y base los principios de interacción entre ordenador y usuario en la simplicidad y la cercanía. 
Maeda representa como ningún otro artista antes que él una figura en clara ascendencia en el ámbito de los nuevos medios: la del artista-programador, cuya carrera se ha desarrollado exclusi-vamente en el ámbito digital y además es capaz de expresarse por completo en el lenguaje natu-ral del medio: el código informático. Gracias a su educación híbrida (se licenció en informática por el Instituto Tecnológico de Massachussets y en Bellas Artes por la Universidad de Tsukuba en Ja-pón), Maeda fue uno de los primeros que entendieron que para explorar con completa autonomía y sin limitaciones las posibilidades expresivas del medio digital, debía ser capaz de prescindir de herramientas de software comerciales y de colaboradores técnicos, y dominar los lenguajes de programación avanzada necesarios para desarrollar una visión estética propia. Maeda hizo de es-ta idea la piedra angular de su labor docente en el Medialab del MIT. De entre sus alumnos ha surgido toda una generación de creadores de repercusión internacional con formación tanto cientí-fica como artística, como Golan Levin, Ben Fry o Casey Reas. 
En su primera etapa el trabajo de Maeda se caracteriza por introducir una sensibilidad poética y llena de humor en unas piezas digitales que plásticamente tienen una clara conexión con movi-mientos pictóricos del siglo XX como el suprematismo. Una de sus obras más conocidas, The Re-active Square, expresa con claridad su compromiso con la simplicidad: un cuadrado negro que alude a la célebre obra de Malevich baila y cambia de forma en respuesta al sonido de nuestra voz. Su trabajo más reciente, (como las piezas de su exposición individual Nature en la Fundación Cartier de Paris) supone una renovación de visión estética a través de lo que ha llamado "pos-digital", un acercamiento al espíritu dinámico del expresionismo abstracto que incorpora al plano digital elementos y dinámicas orgánicos y una fascinación por los procesos de la naturaleza. 


"Lo pos digital tiene que ver con procesar lo ambiguo y lo incorrecto. Frente a un pedazo de papel arrugado, los humanos somos capaces de ver diez cosas diferentes en él; el ordenador, normal-mente, sólo una. Creo que cuando los ordenadores sean más avanzados crearán conjeturas, y serán capaces de emitir pensamientos que no sean binarios. Lo pos digital es cuando el ordena-dor se vuelve tan humano como nosotros - cuando se vuelve tan analógico como nosotros."

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Andy Warhol - Pop Art

Andy Warhol - Pop Art




"No tengo memoria", señaló Warhol,  "cada día es un día nuevo porque no puedo recordar el día anterior. Cada minuto es como el primer minuto de mi vida".

El Pop Art nace en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. 

Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos.  Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.

La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado,  de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística  que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.


El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.


Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal  y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.


Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como  sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.


Si te apetece tu propio retrato pop, contacta con nosotros y podemos ayudarte a tener tu retrato personalizado.

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